MARDI
 
AVRIL
2021 |
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Adaptation
Zack Snyder, le réalisateur, a tourné le film courant 2006. Le film a recours aux mêmes procédés techniques que le film Sin City (adapté lui aussi d'une bande dessinée de Frank Miller), avec l'utilisation massive d'images de synthèse.
Même si toutes les scènes présentes dans la bande dessinée originale sont fidèlement reconstituées sur grand écran, le scénario a été complété de quelques personnages et scènes supplémentaires :
dans la bande dessinée, Éphialtès, qui finit par trahir les Spartiates (et qui est une sorte de monstre difforme dans le film), tente de se suicider lorsque Léonidas refuse de faire de lui un guerrier. Dans le film, la scène fut tournée, mais coupée au montage.
toutes les scènes se déroulant à Sparte qui impliquent la reine et montrent les intrigues politiques au sein de la cité ont été ajoutées pour renforcer l'unique rôle féminin.
des éléments fantastiques et divers bêtes comme le rhinocéros ont été ajoutés.
Tournage
Le film a été presque entièrement tourné sur fond bleu et vert, aux Ice Storm Studios de MontréalNote 1. Seule la scène de chevauchée des messagers au début du film, impossible à réaliser en studio, a été tournée en extérieur.
Près de 1 300 effets visuels ont été nécessaires, soit une moyenne d'un effet visuel par plan.
Les acteurs ont suivi un entraînement sportif intensif de plus de huit semaines avant le début du tournage.
Dans ce film, les acteurs Gerard Butler et Andrew Pleavin jouent à nouveau ensemble, cinq ans après leur collaboration dans Attila le Hun de Dick Lowry. Gerard Butler avait là encore le rôle principal, tandis qu'Andrew Pleavin interprétait Flavius Oreste, un fidèle général d'Attila.
Critiques
Le film, bien que non diffusé en Iran, a soulevé des critiques de la part du gouvernement et des intellectuels iraniens
La critique porte sur le travestissement de la réalité, associé à une critique plus politique : celle de tenter de porter atteinte à l'image de l'Iran dans un contexte politique tendu entre ce pays et les États-Unis.
En effet, la représentation qui est faite des Perses à la période achéménide est fausse. Cette période est considérée comme un âge d'or dans l'histoire de l'Iran, avec en particulier l'écriture sur le Cylindre de Cyrus de ce qui est considéré comme la première charte des droits de l'homme. Dans le roman graphique dont est inspiré le film, les Perses sont dépeints comme une horde barbare, décadente, opposés aux nobles grecs. De manière générale, le film ne respecte ni les costumes ni les coiffures perses de l'époque achéménide.
D'un point de vue plus politique, Javad Shamghadri, conseiller culturel du président Mahmoud Ahmadinejad, a déclaré que les États-Unis essayaient de modifier la réalité historique afin d'humilier l'Iran, présentant l'empire comme une contrée barbare et stupide.
D'autres critiques ont été émises sur divers aspects de ce film :
-Le journal The Arab American News parle d'« une propagande guerrière irréfléchie » (mindless war propaganda)
-Ephraim Lytle, professeur d'histoire hellénique à l'Université de Toronto, écrit que « la manière dont le film idéalise sélectivement les Spartiates est troublante » notamment sur le fait que Xerxès Ier est dépeint comme bisexuel ; et que les Perses sont montrés sous un aspect monstrueux, tandis que les Spartiates sont des hommes au physique avantageux (sauf le traître Éphialtès, un monstre difforme aussi). Les Éphores, qui s'opposent à l'action héroïque de Léonidas, sont eux aussi hideux.
-L'idéalisation de certains éléments dans le film est également critiquée par Touraj Daryāi, professeur d'histoire antique à l'Université de Californie à Fullerton. Il critique le thème central du film, à savoir l'opposition entre le monde « libre » et « aimant la démocratie », représenté par les Spartiates, et le monde guerrier perse
D'autres critiques s'attardent sur l'aspect fascisant du film. Pour Kyle Smith, du New York Post, « Le film aurait plu aux Jeunesses hitlériennes (Adolf's boys) ». Dana Stevens, dans Slate, compare 300 au film de propagande national-socialiste Der ewige Jude (Le Juif éternel). Roger Moore, critique de cinéma à l'Orlando Sentinel, considère que le film correspond à la définition que donne Susan Sontag de l'art fasciste
En réponse à ces critiques, le réalisateur, les producteurs du film et l'auteur de la bande dessinée ont souligné que cette adaptation cinématographique d'une bande dessinée n'est qu'une version heroic fantasy de la bataille des Thermopyles et qu'il n'y avait aucun aspect historique à retenir du film
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 MARDI
AVRIL
2021 |
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Hollywood ne parlait que d’elle avant le début de la cérémonie des Oscars: Chloé Zhao, et ses six nominations pour “Nomadland”, partait favorite de la grande messe du cinéma. Elle a reçu le prix de la meilleure réalisatrice et du meilleur film tandis que Frances McDormand est repartie avec l’Oscar de la meilleure actrice. Frances McDormand rejoint ainsi un club très fermé qui ne compte que sept membres, elle comprise.
Le film raconte l’histoire de Fran, qui a perdu job et mari en moins de temps qu’il ne faut pour l’écrire. La crise économique et son récent veuvage la contraignent à vivre autrement, à se réinventer.
Elle n’est pas sans-abri mais elle est sans maison. Elle n’a plus l’énergie de penser au futur alors elle va se contenter de vivre au présent, dans son van, au milieu de ceux qui, comme elle, n’ont plus rien. “Nomadland” est tiré du livre de la journaliste Jessica Bruder. Elle a vécu avec ceux “qui ont été si souvent rejetés du système qu’ils avaient fini par abandonner”.
Chloe Zhao a mis en scène les personnes que Jessica a rencontrées: Charlene Swankie, Linday May et Bob Wells. Ça confère au film une authenticité qui touche en plein cœur.
Frances McDormand endosse le rôle principal du film et elle en est aussi la productrice exécutive. “Elle est un trésor dans l’histoire du cinéma”, confie Chloé Zhao. “Elle vit, elle ressent et elle expérimente la vie en jouant. Et ce dont nous avons vraiment besoin.”
Chloé Zhao explique l’alchimie entre les différents protagonistes du film par la proximité forcée. “Je pense que les êtres humains, lorsque vous les sortez de ce qu’ils pensent devoir être, et des choses qu’ils ont construites et amassées autour d’eux, puis que vous les mettez ensemble au milieu de nulle part, qu’il fait chaud et qu’il y a un scorpion à proximité, qu’ils n’ont nulle part où chier et qu’ils doivent trouver un seau et apprendre à l’utiliser... Vous seriez surpris de l’alchimie qui se développe.”
“Nomadland” interroge le monde dans lequel on vit et tout ce qui déraille. C’est un film sur la résilience, qui raconte comment avancer quand tout s’est effondré. Il est porté par France McDormand, jamais trop, toujours juste. C’est un Oscar amplement mérité.
Frances McDormand, meilleure actrice; Chloé Zhao meilleure réalisatrice
“Nomadland “ a fait un vrai carton lors de cette soirée si particulière: Frances McDormand a remporté l’Oscar de la meilleure actrice et sa réalisatrice est repartie avec le trophée de la meilleure réalisatrice. Avec ce prix, Chloé Zhao est devenue la première cinéaste non blanche à remporter le prix du meilleur réalisateur.
“Quel voyage incroyable et unique nous avons fait ensemble”, a lancé la réalisatrice née en Chine.
Avant Chloé Zhao, seule une autre femme avait reçu ce prix convoité, Kathryn Bigelow en 2010 pour “Démineurs”.
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LUNDI
AVRIL
2021 |
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Les Oscars se tenaient ce dimanche à Los Angeles. Le coup d’envoi de la 93e cérémonie des Oscars, récompenses suprêmes de l’industrie du cinéma américain, a été donné dimanche depuis une gare historique du centre de Los Angeles accueillant les stars en lice, qui, pour beaucoup, ont foulé un tapis rouge pour la première fois depuis le début de la pandémie. “Nomadland” a fait un carton.
Tout le palmarès:
Film : Nomadland
Réalisateur : Chloé Zhao (Nomadland)
Actrice : Frances McDormand (Nomadland)
Acteur : Anthony Hopkins (The Father)
Second rôle féminin : Youn Yuh-jung (Minari)
Second rôle masculin : Daniel Kaluuya (Judas and the Black Messiah)
Scénario original : Emerald Fennell (Promising Young Woman)
Scénario (adaptation) : Christopher Hampton et Florian Zeller (The Father)
Musique originale : Trent Reznor, Atticus Ross et Jon Batiste (Soul)
Chanson originale : Fight for You (Judas and the Black Messiah ; musique par H.E.R. et Dernst Emile II ; paroles par H.E.R. et Tiara Thomas)
Film en langue étrangère : Drunk (Thomas Vinterberg)
Film d’animation : Soul
Documentaire : La Sagesse de la pieuvre
Maquillage et coiffure : Sergio Lopez-Rivera, Mia Neal et Jamika Wilson (Le Blues de Ma Rainey)
Costumes : Ann Roth (Le Blues de Ma Rainey)
Décors : Donald Graham Burt, Jan Pascale (Mank)
Photographie : Erik Messerschmidt (Mank)
Montage : Mikkel E. G. Nielsen (Sound of Metal)
Son : Nicolas Becker, Jaime Baksht, Michelle Couttolenc, Carlos Cortés et Phillip Bladh (Sound of Metal)
Effets spéciaux : Andrew Jackson, David Lee, Andrew Lockley et Scott Fisher (Tenet)
Court-métrage : Two Distant Strangers (Travon Free et Martin Desmond Roe)
Court-métrage d’animation : If Anything Happens I Love You (Will McCormack et Michael Govier)
Court-métrage documentaire : Colette (Anthony Giacchino et Alice Doyard)
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SAMEDI
AVRIL
2021 |
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La La Land, ou Pour l'amour d'Hollywood au Québec, est un film musical américain écrit et réalisé par Damien Chazelle, sorti en 2016.
Damien Chazelle écrit le scénario de cette comédie musicale en 2010, âgé alors de vingt-cinq ans. Ne parvenant pas à trouver un studio susceptible de financer le film, il décide de réaliser Whiplash, un projet moins ambitieux. Devant le succès de ce premier film, Summit Entertainment accepte de produire La La Land en 2015. En anglais américain, l'expression « La La Land » désigne le quartier de Hollywood à Los Angeles, ainsi qu'une situation déconnectée de la réalité.
Présenté en ouverture de la Mostra de Venise en août 2016, le film est acclamé par la critique. Emma Stone obtient quant à elle la Coupe Volpi de la meilleure interprétation féminine. En janvier 2017, lors de la 74e cérémonie des Golden Globes, La La Land reçoit un record historique de sept récompenses, avant de recevoir quatorze nominations pour les Oscars 2017, égalant ainsi le record historique de Ève (1950) et de Titanic (1997). Il remporte six récompenses, dont l'Oscar du meilleur réalisateur pour Damien Chazelle et de la meilleure actrice pour Emma Stone, ainsi qu'une double consécration pour le compositeur Justin Hurwitz (meilleure musique et meilleure chanson originale pour City of Stars).
Initialement, Miles Teller et Emma Watson devaient tenir les rôles principaux du film. Emma Watson décline finalement le rôle afin de tourner La Belle et la Bête réalisé par Bill Condon. Miles Teller, quant à lui, quitte le projet en raison de désaccords contractuels. Lorsque Summit Entertainment accepte de financer le film, Damien Chazelle se tourne vers Emma Stone et Ryan Gosling pour les rôles principaux
Afin de stimuler la créativité de l'équipe et des acteurs, Damien Chazelle organisa des projections de films qui l'ont inspiré chaque vendredi soir sur le plateau, dont Les Parapluies de Cherbourg, Chantons sous la pluie, Le Danseur du dessus et Boogie Nights
La la land a été élu Meilleur film par Cocktail93 en 2017
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| par 5AVRIL | | | 21 | |
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SAMEDI
 
AVRIL
2021 |
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Le film est une commande de Charles de Noailles, dont la femme Marie-Laure de Noailles, d'ascendance juive, est une des plus importantes fortunes de France. Soutenue par celle-ci qui se veut une amie des surréalistes, il y consacre plus d'un million de francs.
La première a lieu à la mi juillet 1930 dans leur hôtel particulier, 11 place des États-Unis devant une trentaine d'invités choisis, intellectuels et amis qui, déroutés, font un accueil poli. La diffusion du film provocateur est en soi un acte artistique qui suscite une curiosité mondaine et que le producteur veut rendre public. La censure est achetée et la première séance publique a lieu le 22 octobre à onze heures trente au Panthéon Rive Gauche.
Au buffet qui suit chez les Noailles, André Thirion, passablement agacé par ces aristocrates qui se piquent de révolution, fracasse dans un flot d'injures les verres contre les miroirs du salon sous le regard flegmatique que porte le fils de feu le prince de Poix sur la performance.
Le film est projeté de nouveau le 28 novembre 1930 au Studio 28. Le 3 décembre, quelques dizaines de militants d'extrême droite, de la Ligue des patriotes notamment, investissent le cinéma aux cris de « Mort aux juifs! » et de « On va voir s'il y a encore des chrétiens en France! », jettent de l'encre violette sur l'écran, lancent des fumigènes et des boules puantes, chassent les spectateurs à coups de canne11. Les tableaux de Salvador Dalí, Max Ernst, Miró et Yves Tanguy, les photographies de Man Ray accrochés dans le hall sont lacérés à coups de couteau.
Le Figaro, suivi par quelques journaux de droite comme L'Écho de Paris, ainsi que le conseiller municipal Gaston Le Provost de Launay, qui fait allusion au vicomte de Noailles sans le nommer, protestent également contre ce film et demandent son interdiction
Le préfet de police Jean Chiappe demande à la Commission de censure d'intervenir pour supprimer certains passages, puis, comme les protestations continuent, prend un arrêté interdisant la projection à Paris et saisit à nouveau la Commission, qui interdit la diffusion du film. Le 12 décembre, le film est saisi.
Il ne s'agit que de la copie de projection amputée des coupes imposées. Le négatif original a été caché et conservé par le vicomte de Noailles.
Le 26 décembre une nouvelle réunion de la Commission de censure met hors de cause le producteur et recommande de n'incriminer que le propriétaire de la salle, Jean Mauclaire, qui ne sera pas inquiété.
Le 2 janvier, les surréalistes diffusent un tract de quatre pages dénonçant la « police d'Hitler ». Une campagne « anti boches », « anti juifs » et « anti protestants » est ourdie contre le vicomte, sans effets sur sa personne. Des centaines d'articles passionnés, favorables ou haineux, paraissent dans la presse de Valparaíso à Moscou en passant par New York.
En 1937, une copie tronquée circule sous le titre "Dans les eaux glacées du calcul égoïste". Le film figure en 1949 dans une sélection présentée au public par la Cinémathèque française des Cent chefs-d'œuvre du cinéma. Gaumont n'obtient la levée de l'interdiction de projeter qu'en 1981 à, l'occasion de l'élection de François Mitterrand.
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DIMANCHE
MARS
2021 |
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C'est le dernier film tourné par Pierre Fresnay, avant qu'il n'arrête sa carrière au cinéma.
À l'époque du tournage, Jean Gabin avait 56 ans, alors que ses 2 partenaires avaient 62 ans (Noël-Noël) et 63 ans (Fresnay). C'est le premier film dans lequel Gabin accepta une transformation physique afin de paraître plus vieux que son âge .
Lieux de tournage : intérieurs au Studio Franstudio à Saint-Maurice (94) ; extérieurs en Vendée : à Apremont (village de Tioune), au château de l'Audardière dans la commune d'Apremont (scène des retrouvailles avec Catherine), à Coëx (scènes de football), à La Chapelle-Palluau (scène du cimetière), à La Chaize-Le-Vicomte (hospice de Gouyette), et aux Sables-d'Olonne
Deux téléviseurs apparaissent dans le film (un au café de Tioune, l'autre lors du déjeuner à la ferme) alors que la télévision n'est arrivée en Vendée qu'en avril 19604, après le tournage du film qui avait commencé dès l'automne 19592.
Les noms des trois acteurs ne figurent pas au générique en début de film, ils sont remplacés par ceux de leurs personnages : Jean Gabin apparaît en tant que Jean-Marie Péjat, Noël-Noël sous le nom de Blaise Poulossière et Pierre Fresnay en tant que Baptiste Talon
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JEUDI
MARS
2021 |
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Paul Verhoeven /ˈpʌu̯l vərˈɦuvə(n)/N 1 est un réalisateur néerlandais, né le 18 juillet 1938 à Amsterdam. Sa carrière se divise en trois grandes périodes : il obtient d'abord ses premiers succès aux Pays-Bas, puis il accepte l'invitation de Hollywood et s'installe aux États-Unis ; enfin, il rentre en Europe, sur le tard, pour y retrouver la liberté de tourner des films plus personnels.
Formé pour l'essentiel durant son service militaire au département audiovisuel de la Marine néerlandaise, pour laquelle il tourne des documentaires propagandistes dès 1964, il réalise ses premiers films aux Pays-Bas. Il obtient rapidement des succès importants avec, notamment, Turkish Délices (1973), record d'entrées dans son pays encore aujourd'hui. Mais après le très rude Spetters (1980), la censure, de plus en plus forte, le conduit à partir aux États-Unis. Il y découvre un tout autre monde, et c'est là qu'il obtient ses plus grands succès internationaux : RoboCop (1987), Total Recall (1990), Basic Instinct (1992), avant les controversés Showgirls (1995) et Starship Troopers (1997). Mais progressivement, le côté dérangeant et provocateur de sa production lui met les studios à dos, et le manque croissant de liberté le décide à rentrer en Europe pour tourner Black Book (2006). Regagnant en reconnaissance, il présente en 2016 le film francophone Elle, qui reçoit de nombreuses récompenses, parmi lesquelles une sélection en compétition officielle à Cannes, et deux César, dont celui du meilleur film.
Toute la filmographie de Verhoeven est traversée par les thèmes du sexe, de la violence et de la religion, qu'il considère comme « les trois principaux éléments sur terre ». Fidèle à ses origines néerlandaises, il se pose en observateur froid et lucide, quitte à choquer pour mieux montrer la stricte réalité.
Bio signé wikipedia, récompensée par le label article de qualité
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DIMANCHE
FEVRIER
2021 |
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La Piscine est un film français, réalisé par Jacques Deray, sorti en 1969.
Le tournage est réalisé en deux langues : le français et l'anglais. Le montage spécifique à la version anglaise (sensiblement identique) est inclus dans l'édition DVD de 2008 et Blu-ray de 2009. On peut constater que tous les acteurs s'y expriment dans la langue de Shakespeare, y compris en postsynchronisation.
Une photo d'Alain Delon, prise pendant le tournage du film par le photographe Jean-Marie Périer, est utilisée pour la publicité du parfum Eau sauvage de Parfums Christian Dior en 20092.
Le tournage débuta le 19 août 1968 et s'acheva à la mi-octobre, dans le décor d'une somptueuse villa aux environs de Saint-Tropez, pourvue d'une immense piscine. Cette maison est située Chemin de l'Oumède à Ramatuelle, comme le précise Le Figaro dans son édition du 15 juillet 2016.
Pour le premier rôle féminin, celui de Marianne, le réalisateur Jacques Deray approcha successivement les actrices Delphine Seyrig, Jeanne Moreau et Monica Vitti. Mais Alain Delon imposa avec insistance son choix pour Romy Schneider. Le producteur Gérard Beytout affirme alors « imaginer mal Sissi en bikini ». Mais Delon persiste dans son choix, menaçant de ne pas faire le film si son ancienne fiancée n'était pas engagée.
Romy Schneider était à ce moment-là dans un creux de carrière et s'était plus ou moins retirée des plateaux pour élever son fils David en bas-âge. Les retrouvailles entre les anciens amants furent très médiatiques. Grâce à ce film, la carrière de Romy Schneider fut alors relancée, passant à des rôles plus matures. C'est en ayant pu voir les rushs de la Piscine avant la sortie et donc le succès du film, que le réalisateur Claude Sautet eu l'idée d'engager Romy Schneider pour son prochain film, Les Choses de la vie.
Daniel Gélin soutient qu'il était prévu dans le rôle d'Harry, mais que le producteur Gérard Beytout l'a remplacé car il lui en voulait d'avoir conseillé Louis de Funès de rejoindre la grève survenue lors du tournage du Gendarme se marie, en plein mai 68, alors qu'il était en vacances à Saint-Tropez6 : « Ça m'a coûté très cher. Le producteur me regardait comme un fouteur de merde, celui qui a mis de Funès en grève, ça m'a fait énormément de tort ».
Serge Gainsbourg était très inquiet de voir Maurice Ronet et Alain Delon tourner autour de sa compagne, Jane Birkin. Il aurait dit à son ami Pierre Grimblat : « S'il y en a un qui touche à Jane, je le bute ! »
Jean-Claude Carrière a déclaré avoir principalement écrit des dialogues indirects, très éloignés des conflits entre les personnages, afin que Jacques Deray puisse essentiellement se concentrer sur les gestes et les regards plutôt que sur les dialogues, qui tiennent sur les huit pages de script.
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SAMEDI
FEVRIER
2021 |
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Le Cercle rouge est un film franco-italien écrit et réalisé par Jean-Pierre Melville, sorti en 1970.
Jean-Pierre Melville avait initialement prévu une distribution totalement différente : Lino Ventura : commissaire Mattei (au lieu de Bourvil) ; Paul Meurisse : Jansen (au lieu d'Yves Montand); Jean-Paul Belmondo, puis Johnny Hallyday : Vogel (au lieu de Gian Maria Volontè)
C'est l'avant-dernier film de Bourvil, alors déjà atteint par la maladie de Kahler, et également le seul film où il est crédité au générique avec son prénom : André Bourvil. Se sachant condamné, Bourvil cache sa maladie et reçoit des piqûres de morphine pour tenir le rythme du tournage. Il meurt le 23 septembre 1970, un mois avant la sortie du film.
Melville a tourné une seconde prise de la fin du film. C'est une blague faite par Bourvil avant le tournage du dernier plan du film : on voit le commissaire Mattei, qui dit à son adjoint dans cette affaire, qui le suivrait : « Vous savez comment j'ai fait pour arriver à la solution de cette affaire ? ... Eh bien, c'est tout simplement en appliquant... » et à cet instant, il entonne a cappella La Tactique du gendarme. Ce document sonore de 53 secondes fut présenté par Melville lui-même après la mort de l'acteur
La Plymouth Fury III noire de 1966 utilisée par Corey (Alain Delon), ainsi qu'une Pontiac Firebird blanche de 1969 que l'on aperçoit garée de nuit dans une rue de Paris (lorsque les cambrioleurs vont dévaliser la bijouterie), sont les automobiles personnelles de Jean-Pierre Melville. Il les utilisera également dans le film Un flic, en 1972.
Le film s'ouvre sur une citation apocryphe de Râmakrishna : « Çakya Muni le solitaire dit Sidarta Gautama le sage dit le Bouddah se saisit d’un morceau de craie rouge, traça un cercle et dit : - Quand les hommes, même s’ils s’ignorent, doivent se retrouver un jour, tout peut arriver à chacun d’entre eux, et ils peuvent suivre des chemins divergents ; au jour dit, inexorablement, ils seront réunis dans le cercle rouge. »
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JEUDI
JANVIER
2021 |
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Le Nom de la rose (The Name of the Rose) est un drame historique franco-italo-allemand réalisé par Jean-Jacques Annaud, sorti en 1986. C'est l'adaptation cinématographique du roman du même nom de l'écrivain Umberto Eco, paru en 1980.
Jean-Jacques Annaud ne souhaitait pas voir jouer des acteurs de renom dans son film, mais Sean Connery sut le convaincre de l'accepter pour ce rôle . Jean-Jacques Annaud rapporte que l'auteur Umberto Eco est initialement « catastrophé » par ce choix et que les distributeurs ne voulaient pas miser de l'argent sur un acteur qu'ils jugeaient en déclin et trop associé au personnage de James Bond
Rôle de Salvatore, le simple d'esprit bossu : en raison de la coproduction internationale, ce rôle devait revenir au comique italien Franco Franchi du duo Franco et Ciccio (le contrat ne donnait droit qu'à un seul acteur anglo-saxon, lequel était Sean Connery). Mais l'acteur rompit son contrat, refusant de se laisser raser les cheveux et coller des plaques de gale sur le crâne. Jean-Jacques Annaud fit appel à Ron Perlman, qui avait joué pour lui dans La Guerre du feu (1981) et connaissait à cette époque une situation difficile(L'acteur était sur le point d'abandonner sa carrière en devenant chauffeur de limousine)
Les ouvrages utilisés pour les besoins du film étaient si remarquablement imités, par la qualité des enluminures et des reliures, que certains d'entre eux furent volés durant le tournage, obligeant l'équipe à mettre les livres au coffre à la fin de chaque journée de travail.
La statue de la Vierge à l'Enfant, devant laquelle le jeune Adso de Melk vient prier, est un anachronisme puisque son style est proche du milieu de la Renaissance. Le réalisateur s'en aperçut lors du tournage, mais, la reproduction de la statue ayant été coûteuse, la production le persuada de tourner avec. C'est un détail qui fut longtemps reproché à Jean-Jacques Annaud. Comme il aime à le raconter lui-même, c'est l'une des premières remarques qu'on lui fit lors de la première projection du film à Marseille.
Dans le film, la bibliothèque est constituée de pièces situées en coin de bâtiment et reliées par de grands escaliers. En raison du budget limité, Annaud n'a fait construire que trois salles et s'est contenté de créer l'illusion en faisant disposer différemment les livres. L'escalier, quant à lui, a été construit dans un énorme silo haut de plusieurs étages.
Dans la scène opposant Guillaume à Jorge de Burgos, durant le débat sur le rire, Guillaume tient cette phrase pour argument : « Le rire est le propre de l'homme ». Cette formulation précise est en réalité due à Rabelais, qui vécut au xvie siècle, même si l'idée que l'homme est le seul animal qui puisse rire est déjà exprimée par Aristote (De partibus animalium III, 10). Ce léger anachronisme — la scène se place en 1327 — se trouve déjà dans le roman
L'historien médiéviste Michel Pastoureau raconte durant une interview qu'au Moyen Âge les porcs n'étaient pas roses mais noirs et, comme on avait beaucoup de mal à en trouver de cette couleur pour le tournage, on utilisa des porcs « roses » que l'on avait peints. Les porcs se frottant les uns contre les autres, la peinture tenait difficilement.
Lors de la scène finale, le décor de sept étages de l'abbaye est entièrement détruit pour les besoins du scénario : l’incendie est filmé par sept caméras mais seules trois ont fonctionné. Annaud a alors l'idée de « floper » (inverser) et grossir les images des caméras restantes pour diversifier les prises de vue du brasier.
Parce qu'il avait froid aux pieds, l'acteur Sean Connery tournait les scènes d'extérieur en Moon Boots. Le réalisateur Jean Jacques Annaud s'arrangeait pour ne pas le cadrer de plain-pied, et des bruits de sandales dans la neige furent rajoutés en post production
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